Bion adosse sa pensée aux philosophes et à l’histoire de la philosophie. S’intéressant à la méthode scientifique et à ses conséquences psychanalytiques, il se réfère notamment à David Hume, auteur qui a marqué la philosophie par sa conception de l’association des idées et par sa théorie de la causalité. Les conceptions de Hume, associées à celles d’épistémologues plus actuels, permettent à Bion d’éclairer ses théories des émotions, de la symbolisation, du rêve, de la pensée et de la connaissance, de l’accès à la position dépressive, et de l’interprétation.

Cet article est la parution en italien d’une conférence, De l’esprit de la mort à l’esprit du mal, exposée à l’Université de Naples le 20 avril 2012, dans le cadre d’un Colloque sur l’œuvre de Nathalie Zaltzman.

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La réalité de la mort — sous les traits de la grande guerre, de la menace et de la perte effective d’êtres chers — s’impose d’importance à l’homme Freud entre 1914 et 1920, et contraint le savant à un travail de pensée colossal qui aboutira à l’élaboration du concept de « pulsion de mort ». C’est ce cheminement du père et du chercheur, qui va des Considérations actuelles sur la guerre et sur la mort (1915) au fameux Au-delà du principe de plaisir (1920) qui se trouve ici restitué.

Si la problématique de la nocivité de la masturbation s’est posée au jeune chercheur que fut Freud dès ses premiers travaux pratico-théoriques, il ne lui en faudra pas moins tout son appareillage conceptuel pour que, militant du travail psychique, il en fasse la démonstration, s’engageant activement du même coup auprès de ses patients afin d’en faire cesser l’exercice. Aussi est-ce un aperçu de cette dynamique que cette recherche entend restituer.

L’héroïsme concerne le besoin de croire par le dépassement héroïque de la quotidienneté et la mort donnée puisqu’il s’agit du guerrier et son sacrifice. Il est aussi un exemple de la différence fondamentale qui existe entre l’idéalisation et la sublimation. Cette dernière dérive la libido attachée au Moi idéal de l’enfance dans une opération de deuil de l’omnipotence à laquelle se substitue une jouissance de l’acte alors que l’idéalisation, au contraire, inhibe le sujet par un projet trop lourd et irréalisable Or le propre du héros est précisément d’agir. C’est son geste que va conter la légende. Il devient ainsi un idéal mais pas pour lui-même, pour les autres qui vont même parfois en faire un demi-dieu. Ce problème est particulièrement crucial à l’adolescence en raison des processus massifs d’idéalisation qui se font jour à cet âge. L’adolescent doit renoncer à être l’enfant idéal que le parent avait vu en lui ou plutôt il doit lui prouver que c’est par d’autres voies que celui-ci avait imaginées pour lui qu’il va y parvenir.

Le héros adolescent ne manque pas de courage : il court vers la mort. Pour autant, il n’est pas sûr qu’en cela réside son plus grand risque. Paradoxalement, son courage peut l’emporter vers une recherche de sensations propres à la démesure. Cet élan ferait, alors, et sous certaines conditions, basculer son acte dans une rage meurtrière, l’éloignant ainsi de ses motivations premières. Le combat laisserait la place au massacre.

Allocution d'ouverture parue dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - Actes 3 - 2014"

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L'auteur, dans cet article, nous fait part de ses réflexions à partir de sa double pratique de psychanalyste et de peintre. En faisant se croiser les mythes d'origine de l'une et l'autre pratiques, il vient réinterroger, à partir de la dimension du geste, notre tendance spontanée à opposer trop facilement la perversion à la sublimation, la parole et la pensée à l'acte, la vérité à la nudité.

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - Actes 3 - 2014"

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Discussion de la conférence de Jean-Peuch Lestrade "Quand Oedipe rencontre Dibutade"

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

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Discussion de la conférence de Jean Peuch-Lestrade "Quand Oedipe rencontre Dibutade"

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

L’auteur de cet article aborde la question de la création et de la création artistique moyennant l’image des trois mouvements circulaires, isomorphes, qui se mélangent sans pour autant se confondre :

- une circularité logico-ontologique entre le créé et les éléments de la création, constituant le « cercle de la création » dans l’ontologie de Cornélius Castoriadis ;

- une circularité de l’in-formation, entre les trois « espaces-fonctions » hétérogènes, originaire, primaire, secondaire, ou encore représentant, metteur en scène, metteur en sens, constituants de la psyché dans la métapsychologie de Piera Aulagnier ;

- enfin, un processus de circulation-appropriation entre le créateur, le créé et le récepteur de l’œuvre, qui serait analogue au processus qui s’établit entre l’analyste et l’analysant. Analogie qui signe les rapports entre la dimension créatrice de l’espace analytique et la création artistique.

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

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Discussion de la conférence de Gerassimos Stephanatos "Donner forme à l'Abîme"

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

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Les voix de l’enfance, celle de notre mère, puis celle de notre père, jouent un rôle éminent dans la vie de chacun de nous, à des moments différents et selon des modalités particulières. Les voix d’un chœur, chacune dans sa tessiture, forment une famille de voix qui témoignent, toutes unies, d’ « un modèle réduit de la société idéale » (Michel Serres). Notre propos est de montrer comment la musique vocale des premiers temps de la vie peut trouver son épanouissement artistique et humain dans la formation chorale, institution millénaire. Depuis le commencement du monde, parmi toutes les races et les civilisations, quand les hommes veulent s’unir, ils se mettent à chanter ensemble. Dans l’art musical et choral, se retrouve le bonheur de la liberté imaginaire et de la communication affective partagée. Le chœur signe la victoire de l’harmonie sur la discorde, de la solidarité sur l’égoïsme, de l’union sur la solitude. Aussi représente-t-il aujourd’hui un lieu où l’âme n’est pas angoissée mais forte et joyeuse.

Cet article est paru dans « L’œuvre d’art : un ailleurs familier – ACTES 3 – 2014 »

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Discussion de la conférence de Marie-France Castarède "Des voix de l'enfance à la passion chorale".

L’angle mort de la voix est le reste non spécularisable de l’image sonore, ce qui, dans la voix, vient rencontrer un sentiment d’inquiétante étrangeté. Le chant tente de voiler, par l’illusion musicale, ce qui origine la voix dans l’inarticulé du cri. Une certaine clinique de l’hypochondrie douloureuse de la voix dévoile la présence d’un angle mort ouvert sur l’énigme de l’Autre et sur sa défaillance.

Cet article est paru dans « L’œuvre d’art : un ailleurs familier – ACTES 3 – 2014 »

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Danser est mon être au monde. La danse classique a inscrit en moi cette attention au corps, au mouvement, au rythme, à la musique, à la présence des autres qui ne me quitte jamais. Cette rythmicité corporelle partagée et un travail centré sur l’apprentissage du mouvement, sa maîtrise jusqu’à l’aisance viennent permettre de se déployer, s’épanouir dans l’espace. De la danse classique au Butô, mon évolution se fera intérieure. Issu du Japon, ce danser demande d’être en phase avec le processus de transformation de la nature et des êtres. Ainsi, au lieu d’interpréter une image extérieure, je dois percevoir toute chose à partir de l’intériorité profonde de mon corps, donner forme à l’informe. Ceci suppose la notion de passivité dans ce retour au « corps originel » et à la dynamique du vide. Le Butô vient lier les résonances corporelles et psychiques, écrire d’autres espaces à explorer.

Cet article est paru dans « L’œuvre d’art : un ailleurs familier – ACTES 3 – 2014 »

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Discussion de la conférence de Dominique Fessaguet "Résonances corporelles et danse".

Pourquoi l’artiste, plus qu’un autre, aurait-il besoin de créer ?
Sommes-nous autorisés à penser que serait présent, chez le danseur Butô mais également chez le danseur classique ainsi que contemporain, un processus à l’œuvre de l’ordre de la régression formelle de la pensée avec bien sûr des variations très individuelles dans celui-ci, qui amènerait le danseur à se laisser réinvestir par des traces au plus proche du perceptif, au plus près de la sensation pour aller, dans un premier temps, chercher de la sensation avec son corps ?
Cette trajectoire, « aller chercher de la sensation avec son corps », animerait-elle le danseur mais également tout artiste quelle que soit sa discipline, dans le mouvement de danser, de peindre, de chanter, de jouer d’un instrument ?
Un second temps : venir exprimer le matériau polysensoriel dans l’espace avec le mouvement du corps par la danse, le mouvement du pinceau sur la toile, de l’archet sur les cordes, des doigts sur le clavier, mouvement cette fois progrédient qui réalise alors l’œuvre d’art, c’est-à-dire encore ce produit symbolique porté et reconnu comme tel par le groupe humain, permettrait-il à l’artiste, comme seule issue possible, de s’extraire d’un monde de pure sensation ?

Cet article est paru dans « L’œuvre d’art : un ailleurs familier – ACTES 3 – 2014 »
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Du sensible à l’intelligible, un réceptacle : ça se donne - Discussion de la conférence de Jean-Jacques Barreau "Au-delà de la représentation ? Métapsychologie de l'image et esthétique freudienne".

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

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Discussion de la conférence de Jean-Jacques Barreau "Au-delà de la représentation ? Métapsychologie de l'image et esthétique freudienne".

Cet article est paru dans "L'oeuvre d'art : un ailleurs familier - ACTES 3 - 2014"

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